1-Gurum Gudum
2-Woody Woodpecker (Everybody Thinks I'm Crazy)
3-LSD
4-To Burn Or Not To Burn
5-Bailarina
6-Deve Ser Amor
7-Nobody Knows
8-Cacilda
9-Imagino
10-Ai Garupa
11-Encantamento
12-Carrossel
13-Tacape

A idéia de finalmente gravar Let it Bed aconteceu quando John, da banda Pato Fu, foi a Juiz de Fora montar um PC para Arnaldo com vários programas de áudio. John e Rubinho Trol (2) começaram a mostrar ao Arnaldo as possibilidades dessas novas tecnologias, recursos que há alguns anos só eram possíveis em estúdios caríssimos e agora estavam bem à mão, para serem usados em casa mesmo. “Por isso este disco é o encontro de Arnaldo com esta tecnologia”, explicou John. “Uma coisa era importante para nós”, continuou John. “Não queríamos um CD que soasse como um disco moderninho de música eletrônica com samples do Arnaldo. Isso seria fácil fazer. Queríamos que ele registrasse à sua maneira suas novas canções e depois ajudaríamos a dar um acabamento à altura de seu talento”.

John e Rubinho levaram para o sítio equipamento suficiente para um bom home-estúdio. Logo de cara perceberam que Arnaldo queria tocar de tudo e passava muito rapidamente de um instrumento para outro. Por isso decidiram espalhar microfones por todo o estúdio do sítio, deixando tudo ligado o tempo todo para manter o momento criativo sempre em alta.

“Rubinho trouxe seu PC de Londres. Gravamos usando o software Cubase e uma interface M-Audio Delta 44, que nos permitia gravar 4 canais por vez. O que parece pouco, mas o suficiente para este disco, já que Arnaldo iria tocar tudo, um instrumento por vez”, conta John. “A AKG nos emprestou os microfones e headphones, eu levei preamps, mixer, guitarras e outras coisas. Uma curiosidade é a guitarra Pignose com um alto-falante embutido no corpo, que Arnaldo experimentou e acabou usando em algumas gravações”.

John deu algumas instruções básicas para Rubinho, “apenas para ele não cometer nenhuma gafe tecnológica irreparável”. Mas logo ficou claro que o mais importante era o momento, a atmosfera, a tranqüilidade para que Arnaldo pudesse registrar tudo que quisesse, quantas vezes quisesse e na hora que tivesse vontade. “E isso o Rubinho soube conduzir muito bem”.

“Depois de tudo registrado, voltamos para meu estúdio em BH, onde transpusemos as sessões de Cubase/PC para o sistema do meu estúdio que é Logic Audio/Mac. Lá não gravamos mais nada: apenas acrescentei algumas programações e instrumentos virtuais”, explica John. Tudo foi editado e mixado aos poucos no estúdio de John. “Cada vez que Arnaldo vinha à minha casa ouvíamos tudo e ficávamos mais felizes com o resultado”.

1-Será Que Eu Vou Virar Bolor?
2-Uma Pessôa Só
3-Não Estou Nem Aí
4-Vou Me Afundar Na Lingerie
5-Honky Tonky
6-Cê Tá Pensando Que Eu Sou Loki?
7-Desculpe
8-Navegar de Nôvo
9-Te Amo Podes Crer
10-É Fácil

Loki, o deus asgardiano da trapaça e da loucura, não teria previsto tal insanidade: em 1974, sozinho com seu piano em seu quarto na Serra da Cantareira, um rapaz de 26 anos, Arnaldo Dias Baptista, que todos supunham desorientado, nutriu a semente de um disco que mudaria para sempre a face da música brasileira.

Loki?, o disco, foi gravado de um fôlego só, sem repetir takes, no Estúdio Eldorado, em São Paulo, em 16 canais. Possui 10 faixas e 33 minutos de duração, não apela a um único riff de guitarra (uma heresia para a época) e emparelha sintetizador com violão, arranjos orquestrais com clavinete e órgão. Sua musicalidade é visionária: há sambalanço, glam, baladas pop à moda britânica, rockabilly norte-americano, MPB, clássico, digressões progressivas. A invenção é a única fronteira do álbum, mas não é um experimentalismo cartesiano, de nerd – Arnaldo arrombou sem cerimônia as portas da percepção.

Loki? abriga desde uma viagem instrumental entre Chopin e Elton John, na composição Honky Tonky, até um certo orientalismo, que escorrega depois para o blues e chega até a MPB tradicional no violão de 12 cordas em É Fácil. Arnaldo é homem-banda se desdobrando em busca do efeito certo, como mostra com o sintetizador Moog em Desculpe e Te Amo, Podes Crer. Quando canta “onde é que está meu rock’n’roll”, ele é puro Jerry Lee Lewis, mas aí emenda um “eu vou voltar pra Cantareiraaaaaa”, que é pura MPB, e anarquiza as referências.

O ex-Mutante teve a lucidez (com apoio de Roberto Menescal, diretor artístico da Philips, que o bancou, e Marco Mazzola, que o produziu) de buscar a ajuda que precisava. O maestro Rogério Duprat, então ex-tropicalista, abominava aquilo em que o rock se tornara: uma fórmula batida de guitarra, baixo e bateria, um rótulo musical, uma limitação da imaginação. Por causa dessa conjuntura, largou tudo e foi viver em uma marcenaria doméstica em Itapecerica da Serra. Ao lapidar duas canções de Arnaldo (Uma Pessoa Só e Cê Tá Pensando Que Eu Sou Loki?), teve a sensação de que havia ainda um mundo a descortinar. Era o nosso George Martin.

Este disco é para ser ouvido em alto volume, recomendava Arnaldo. Não precisava da recomendação: o disco era tão importante que vai ressoar eternamente, enquanto seu tempo fica para trás. Havia, desde janeiro daquele ano, um novo general conduzindo com mão de ferro a ditadura militar, Ernesto Geisel. Essa sombra permanente fazia com que toda a arte da época soasse combatente, engajada. Liricamente, Arnaldo elegia sua própria angústia existencial como o universo a ser compreendido, e legou ao futuro uma Bíblia de utopia alternativa. “Ficamos até mesmo todos juntos. Reunidos numa pessoa só”, cantava, em Cê Tá Pensando que eu Sou Loki?.

O disco de Arnaldo baixou à Terra como uma visão estética e individual, o que o levou a ser comparado a Syd Barrett, do Pink Floyd. Não tinha equivalente entre seus contemporâneos, como ainda não tem. Seu combustível original foi uma desilusão amorosa, como em 90% do pop, mas o resultado é uma iluminação universal.

No resto do mundo, insinuava-se uma promessa de futuro tecnológico brilhante. Naquele ano, o Kraftwerk lançou o clássico Autobahn. A família dos sintetizadores recebia o revolucionário Moog Satellite, que seria muito usado por Vangelis nas trilhas do novo cinema.

Arnaldo Baptista transcendia sua dimensão, vivia num disco voador. Tinha ido ao topo da glória pop com Os Mutantes, mas, recém-saído da banda, continuava olhando muito além. Na foto da capa, com a calça de couro marrom sem camisa, a postura de quem está à espera de algo ou alguém, ele parecia demonstrar que não tinha voracidade pelo futuro, nem reverência pelo passado. Criava sozinho a realidade, apegado aos seus sonhos e às suas visões, e é isso que prevalece em Loki?.

São célebres as confissões de Sean Lennon e Kurt Cobain acerca da influência que Arnaldo Baptista e os Mutantes tiveram em sua música, mas é ainda mais amplo o leque, que vai de Devendra Banhart a Kevin Parker, do Tame Impala. No Brasil, essa influência se estende por gerações, audível em canções de Boogarins e O Terno.

Por isso, o retorno do vinil da obra pela Polysom em maio de 2017 (Universal Music, 180 gramas, arte original, encarte inédito com todas as letras) foi tão simbólico: álbum transcendental, registra as ondas das influências naquele momento de transição – Arnaldo o fez ainda cercado pelos antigos companheiros, como se fizesse uma interseção. Há vocais de apoio de Rita Lee em duas canções (Não Estou Nem Aí e Vou Me Afundar na Lingerie) e os músicos são Liminha (baixo; Sérgio Kaffa toca o baixo apenas em Desculpe) e Dinho (bateria).

Não atire no pianista, diziam os cartazes nos saloons do Velho Oeste. Era peça de difícil reposição. No caso de Arnaldo, um piano foi tudo que ele precisou para fazer um dos discos fundamentais da música brasileira.

(Jotabê Medeiros - sp abril 2017).

1-I Fell In Love One Day
2-O Sol
3-Bomba H sôbre São Paulo
4-Hoje de Manhã Eu Acordei
5-Jesus Come Back To Earth
6-The Cowboy
7-Sitting On The Road Side
8-Ciborg
9-Corta Jaca
10-Coming Through The Waves Of Science
11-Young Blood
12-Train

Arnaldo Baptista fala sobre o álbum “Singin’ Alone” - Junho 2013.

Quando fiz este LP, o Singin’ Alone, pensei: o que está faltando na minha carreira? Algo que fosse capaz de abranger tudo que alcanço no universo. Então, optei por um tipo de linguagem, de espectros, de pensamentos, de entidades ... E todos os lugares onde eu ia, tentava colocar em poesia. Ou seja, a personalidade aparece nesta vida diária, em parte das letras, trechos da minha vida naquela época.

Outro aspecto é que toco tudo neste disco: bateria, contrabaixo, teclado, guitarra... Às vezes coloco uma gaita, pandeiro, caixinha de música – one man band.... Em todos os conjuntos que tive até hoje, sempre existiram fatores que eu não concordava: a marca do contrabaixo, muito agudo; o amplificador mal regulado; uma pessoa muito egocêntrica...

Neste disco, portanto, tentei colocar um lado pessoal, não só no alcance da letra e da música, mas também no instrumental e musical, que é importantíssimo. Coloquei o que era de se esperar: o inesperado. Misturo Yes, que é um lado bem clássico, bem contrabaixo, com música caipira, que é um lado bem rural, bem peculiar do País. Algo que abrangesse a mente de todos. E também tem muitas músicas em inglês, no sentido de alcançar este tipo de mentalidade e pensamento filosófico.

Às vezes a gente se perde em criatividade e vê que o objetivo não é um só, nunca! Ambos funcionam. Queria expor e extravasar minha criatividade musical e poética. Por isso coloquei este lado do inglês também.

Sobre as canções de Singin’ Alone

“Bomba H Sobre São Paulo” envolve o que fiz para alcançar esta profundidade de letra. Eu subia a pé até a Serra da Cantareira, um caminho longo, mas me interessava por flores, pessoas, automóveis que passavam e também minha mente esvoaçando por entidades, planetas e galáxias longínquas. Naquele dia pensei que estava andando na Cantareira e de lá a gente pode sentir a cidade como uma entidade separada, uma bomba H – alguma coisa iria acontecer. Foi assim que extravasei.

“Hoje de Manhã Eu Acordei” envolve outra parte da minha vida pessoal, o lugar onde eu dormia: o quarto, a parede, um pensamento que não é tão tipo estrada, automóveis, galáxias. É mais lençóis, quadros, companhia, pensamentos de comida, exercício etc. A paixão que eu tinha naquele momento às vezes dava certo: “será que é bom demais?”

“Jesus Come Back to Earth” é uma outra faceta da minha vida. Estava no apartamento com minha mãe na Avenida Angélica e não me sentia aberto ali, então compus esta música.

“Corta Jaca” tem um lado rural. A Suzana Braga, que é filha de portugueses, fez a voz caipira – para ela era difícil falar o português brasileiro, fazer o caipira (rs). Tem um pouco a ver com o interior de São Paulo. Meu avô, o coronel Orácio, já foi prefeito de Avaré e tentei colocar isso em forma de música caipira com rock’n’rolll – fiz este contraste aparecer.

Existe um lado entre você e o instrumento, que se traduz no piano, no órgão... Em “Cowboy” tem esta minha parte pessoal com o contrabaixo. Então, pude fazer uma música na qual explico tudo que sinto no instrumento... Jack Bruce.

“Sitting on the Road Side” Fui até Catanduva pedindo carona... 400kms de São Paulo... Senti vontade de peregrinação, de não ser levado por nada além de explorar e ver até onde eu aguentava na resistência. É meio hippie.

“I Fell in Love One Day” Assim como “Cowboy” tem a ver com contrabaixo, esta tem a ver com teclado, piano. Aqui, consegui no piano uma profundidade maior na letra, porque no contrabaixo é mais música pesada, lenha. Então, falo de estrada, motores. Esta eu já entro bem em filosofia, razões de viver...

O lado piano me dava mais liberdade no sentido da emoção. Fala também de minhas procuras, inspirações, pesquisas... Pensei também na mamãe, que tocava piano há anos. Tem esta parte para ela: “me leve até o melhor”... Como se ela pudesse interferir na minha música, pela mediunidade... Minha mãe tinha um universo – horas e horas deitada, pensando no paraíso. Daí ter falado: “não vou esperar pela sua morte”. O lado piano me dava mais liberdade no sentido de emoção. Na guitarra não consigo tanta inspiração de paixão, coração, como no piano.

Tem esta presença feminina nas letras... O lado lírico, poético, romântico, esta importância das mulheres na vida das pessoas. Não importa o que você pensa ou o que você é – você tem um só sexo como pessoa. Então, para você dar continuidade a um fator que é importante para a evolução, DNA, precisamos do lado feminino que completa. Na minha poesia, a menina é importante como musa, como platônico... Dá um colorido, um romantismo.

“Ciborg” Esta também é uma área que me leva muito adiante na vida, que é a palavra pesquisa, aqui a humana, que é no ciborg. Por exemplo: há milhões de anos o corpo humano usa no ouvido números exponenciais, que não têm nada a ver com matemática. O Homem descobriu este número há 50 anos. Portanto, o corpo humano é tão mais evoluído que nosso alcance científico! Coloquei Ciborg como se fosse a gente tentando fazer máquina da máquina que a gente é... Também tem a ver comigo andando de bicicleta e pensava: se fosse um ciborg teria muito mais força na perna. “Em vão, Ciborg!”.

“Coming Through the Waves of Science” > “Não sei por que fiquei tão envolvido, quando poderia apenas tocar”.. Isso é tão profundo! Às vezes mais profundo do que eu. Quando falamos do feminino, pensamos em um estereótipo, que seria a deusa. Então, tem o lado mágico também, maior mediunidade, maior consciência de tudo... Aí eu entro no “Let Spend the Night Together”.

“Young Blood” > Só tinha um piano em casa nesta época. E acabei fazendo um conjunto de garagem. As pessoas eram mais jovens do que eu, dez anos até, então compus esta música, inspirado nisso, neste sanguinho novo. O entusiasmo deles era muito grande... “Beijo do batom em você, manequim”. Aí a inspiração veio dos desfiles da Rodhia. Via os manequins passarem e ficava sonhando – todas sanguinho novo... Como se você pudesse dizer não ao sistema : “seu coração no sanguinho novo...”

“Train” > Esta é interessante. Planejei ficar numa de blues, na Cantareira, e entrei nessa e fui para Londres e tomei um ônibus para a Alemanha. Mas na estação coloquei trem. Vira e mexe ouço Jack Bruce, Elton John... falando de trem. “Foi minha escolha estar aqui no meio do blues”

“Balada do Louco” > Fui até a casa do cunhado da Rita, que tem um piano, e compus uma música inspirada nas diferenças que existiam entre as pessoas. Por exemplo, tem sempre alguém superior à você. Pra falar a verdade, naquela semana tinha levado um chute de uma menina no katarê, que até sangrou meu pé... Então, pensei, foi falta de apoio, etc, mas não era isso: ela era melhor do que eu mesmo... Levei adiante neste sentido com entidades que eu achava maravilhosas, como Alan Delon... Depois mostrei para a Rita, que deu uma sutileza, o lado poético dela também... Esta nova gravação, de 1995, foi surpreendente, porque eu não esperava que ficasse tão bela.. Não contribui muito com o lado musical, mas ficou muito bonito. Adorei! Parece o Elton John com orquestra.

1-Eu
2-Rodas
3-Crazy Ones Ballad
4-Traduções
5-Ovni
6-Maria Lucia
7-Jesus Volte Até aTerra
8-Le foulle Balad
9-I wanna To Take off Every Morning

DISCO VOADOR - ARNALDO (BARATOS AFINS 1987, inédito em CD)

Em 1987, Arnaldo lança sua mais radical experiência. Pela Baratos e Afins sai a gravação caseira – somente para fãs e experts – Disco Voador Arnaldo Paz. Um songbook que capta o artista em seu ambiente, em sua oficina-estúdio. A gravação é tosca, mas traduz da melhor forma possível o mundo musical de Arnaldo, onde estão presentes suas experiências sonoras e sua opção de timbres. Sua voz com vibrato, seus teclados destorcidos. A grande surpresa do álbum são as duas versões de “Balada do Louco” (Arnaldo Baptista & Rita Lee) que Arnaldo faz para o inglês – “Crazy one’s ballad” – e para o francês – “Lê foulle balad”. Outra ótima sacada é a tradução de ”Jesus, come back to earth” para o português “Jesus volte até a terra”. Mais seis canções completam o disco: “Eu”, “Rodas”, “OVNI”, “Maria Lúcia”, “I wanna to take off every morning”, (todas de Arnaldo) e a parceria de Arnaldo & A. Alexandre: “Traduções”.
O Título-capa do álbum é uma verdadeira arnaldice. Jogando com o trocadilho disco (álbum/vinil) e disco-voador, o desenho (de Arnaldo) da capa une as duas imagens e amplia o trocadilho/metáfora: o álbum é um disco (vinil) e um disco-voador raro (o álbum teve edição limitada) e real. No meio do desenho, a palavra PAZ simula o centro do espaço celeste e o furo do vinil que sustenta o disco no prato do toca-disco. Ao girar, gira também o céu e o vinil, revelando onde está o disco-voador e as canções. (Marcelo Dolabela - bhz out/nov 1999).

1-Sunshine
2-Sexy Sua
3-Corta Jaca
4-Oh Trem
5-Emergindo da Ciência
6-Sentado ao lado da Estrada
7-É Um Pouco Assustador
8-Fique Aqui Comigo

SOLISTA IN SPACE PATROL

Depois do álbum Lóki?, de 1974, e antes do Singin’alone, de 1981, Arnaldo Baptista viveu sua fase hard-rock, ou melhor, sua fase lenha, para usarmos uma expressão sessentista, até hoje do vocabulário de Arnaldo, para designar o ancestral rock pauleira. Nesta viagem no limite máximo, teve por companhia o grupo Patrulha do Espaço.
A viagem lenha começa em 1975, quando Arnaldo estrutura seu novo projeto, o grupo Space Patrol, inicialmente com o baterista Zé Brasil; e, depois, com sua primeira formação definida, com Rufino e Dudu, nas guitarras; Cenoura, no contrabaixo; e Arnaldo, na bateria com dois chimbaus, um de cada lado. Apenas ensaios caseiros, com pequenos amplificadores e a companhia de uma televisão ligada, sem som.
Em 1977, o grupo passa a se chamar Arnaldo & A Patrulha do Espaço, continuando seus ensaios, já com a seguinte formação: John Flavin, na guitarra; Osvaldo Gennari “Cokinho”, no contrabaixo; Rolando Castello Júnior, na bateria; e Arnaldo, no piano e voz. No final do ano, o grupo grava, no Estúdio Vice-Versa, com apoio irrestrito do maestro Rogério Duprat, treze músicas, em dois dias. O material, se adquirido por alguma gravadora, teria uma mixagem definitiva. Sem interesse de gravadora, o disco só veio á cena, mesmo assim parcialmente e a partir de uma rough mix, extraída de uma cópia de dois canais, onze anos depois, em 1988, com o título de Elo Perdido.
Deste período, se revelam doze canções, sendo que sete delas, Arnaldo regravaria no Singin’ Alone, ou na versão original ou vertida para o inglês/português, com sutis, mas fundantes, modificações em seu texto.
Elo Perdido repete do Singin’ Alone: O Sol, com o título de Sunshine; Corta Jaca; Oh Trem/Train; Emergindo da Ciência/ Coming Through the Waves of Science; e Sentado ao lado da estrada/Sitting on the road side.*
De inéditas, temos: Sexy Sua, canção de amor e sexo composta para a ex-namorada Martha Mellinger, com seu título/refrão trocadilhescos – sua: verbo? Pronome? -, pode ser resumida como um culto/exercício prático da libido.
É um pouco assustador I, exercita segundo Arnaldo, o jogo reativo de encontros telepáticos. Onde, quem participa do encontro se assusta e se auto conhece.
E Fique Aqui Comigo, Arnaldo trava um diálogo com uma visitante desconhecida, que seria. Ao mesmo tempo, parceira e platéia de um show-conversa mental. (Marcelo Dolabela - bhz out/nov 1999).
*Conforme informação de Arnaldo Baptista, o nome correto da música Raio de Sol é: Sentado ao Lado da Estrada.

1-Emergindo da Ciência
2-É Um Pouco Assustador II
3-Arnaldo Soliszta
4-I Feel In Love One Day
5-Cowboy
6-Hoje de Manhã Eu Acordei

Em maio de 1978, já com mais um guitarrista, Eduardo Chermont, o grupo se apresenta no Teatro São Pedro, em São Paulo – SP. Da noite sairia uma gravação amadora, lançada, em 1988, no álbum Faremos Uma Noitada Excelente...
O disco traz as já conhecidas: Emergindo da Ciência, É Um Pouco Assustador II, I Fell in Love One Day, Cowboy e Hoje de Manhã Eu Acordei, de inédita somente a instrumental Arnaldo Soliszta, improviso ao piano, à maneira de Hermeto Pascoal. O título foi dado, posteriormente, por Rolando Castello Júnior e abarca as várias capacidades e saberes de Arnaldo: pianista, solista, fã do compositor húngaro Franz Liszt (1811-1886) e, obviamente, solista, amante do sol, leia-se, sunshine/LSD.
Nestes dois falsos rascunhos, na verdade songbooks de sobrevivência e luta, Arnaldo escreve, em forma de mosaico, sua revolucionária obra, entre a louca-lucidez que envolve projetos de diálogos e interlocuções, entre palco e platéia, passado e futuro, vida e arte, ciência e sonho, revelando que há sempre algo que falta, algo que ficou irremediavelmente perdido, e que, a cada descoberta, percebemos que é a incompletude que nos completa. A obra solo de Arnaldo é isto, lacunas e elos perdidos que se completam permanentemente.
Assim, que tenhamos novos e bons ouvidos e sejamos bem-vindos ao Jardim do Sonho e da nova Ciência desta eterna nova música chamada: Arnaldo Dias Baptista. (Marcelo Dolabela - bhz out/nov 1999).

1- Ai Garupa
2- Tacape
3- Te Amo Podes Crer
4- Concerto de Bradenburgo
5- Sentado ao Lado da Estrada
6- Ovelha Negra
7- O A e o Z
8- Marcha Turca
9- Don’t Think Twice, It is All Right
10- É Fácil
11- Cry Me a River
12- Take It to the Limit
13- Emergindo da Ciência
14- Ciborg
15- Honky Tonky Woman

Texto: Lulina
Capa: Thais Rebello
Foto capa/show: Martha Mellinger